12 самых известных картин эрмитажа

«Мадонна Литта» Леонардо да Винчи

Картина получила свое название от миланской дворянской семьи, в коллекции которой она находилась на протяжении большей части XIX века. В 1865 году русский царь Александр II приобрел полотно для Эрмитажа, где оно выставлено по сей день. Эта работа изображает Мадонну, кормящую грудью Младенца Христа.

Обратите внимание на отсутствие ореолов в этой картине. Ряд полотен Леонардо демонстрируют эту же черту. Фигуры расположены в темном интерьере с двумя арочными отверстиями, показывающими вид горного ландшафта. Интересная деталь: в центре картины, в левой руке Христа, находится щегол, который является символом страстей христовых.

https://www.youtube.com/watch?v=ytpolicyandsafety

Чувство радости материнства на картине «Мадонна Литта» особенно восхитительно изображено благодаря богатству самого образа Марии — здесь оно нашло свое зрелое выражение женской красоты Леонардо. Нежное, красивое лицо Мадонны придает особую духовность полузакрытым глазам и легкой улыбке. Композиция картины поражает своей поразительной четкостью и совершенством. Мадонна с Младенцем была распространенным мотивом в христианском искусстве в средние века и продолжала существовать в эпоху Возрождения.

Другая популярная картина Эрмитажа — Мадонна Литта, написанная в XV веке. Обычно, написание этой картины приписывают Леонардо Да Винчи, но бытует мнение, что это работа принадлежит его ученику.

В Лувре есть карандашный рисунок Мадонны. Лицо на этой картине похоже на лицо Мадонны Литы, поэтому люди приписывают авторство да Винчи. На картине изображено две фигуры — женщина с младенцем. Она хотела прекратить кормление грудью, но видя, как младенец хватается за грудь, решила продолжить кормление.

Рафаэль. Мадонна с Младенцем (Мадонна Конестабиле)

Мадонна Конестабиле, позже названная как Мадонна с книгой — миниатюра Рафаэля.

Некоторые критики полагают, что эта картина не полностью нарисована. Это последняя картина Рафаэля, которая нарисована перед тем, как он уехал во Флоренцию, в 20 лет. Когда живопись переносилась на холст с доски, художники узнали, что сначала мадонна держала в руке гранат вместо священной книги. Гранат — это символ жертвы и пролитой крови.

12 самых известных картин эрмитажа

Италия, 1478–1480 годы

Второе название происходит по фамилии владельцев картины. При каких обстоятельствах произведение великого Леонардо попало в Россию, до сих пор неизвестно. Существует легенда, что семейство Бенуа купило ее у бродячего цирка. Шедевр достался Марии Сапожниковой (после замужества — Бенуа) в наследство от отца.

Италия, около 1504 года

«Мадонна с Младенцем» — одно из ранних произведений Рафаэля. Александр II приобрел эту картину в Италии у графа Конестабиле для любимой жены Марии Александровны. В 1870 году этот подарок обошелся императору в 310 тысяч франков. Продажа работы Рафаэля возмутила местную общественность, однако у итальянского правительства не было средств, чтобы выкупить картину у владельца. Собственность императрицы сразу же была выставлена в здании Эрмитажа.

Эль Греко (Доменикос Теотокопулос). Апостолы Петр и Павел

Испания, между 1587–1592 годом

12 самых известных картин эрмитажа

Картину подарил музею в 1911 году Петр Дурново. За несколько лет до этого Дурново показывал ее на выставке императорского общества поощрения художеств. Тогда об Эль Греко, которого считали весьма посредственным художником, заговорили как о гении. В этом полотне живописец, который всегда был далек от европейского академизма, оказался особенно близок византийской иконописной традиции.

«Апостолы Петор и Павел» — это картина Греко, написанная в 1587 — 1592 годах, в Испании. На картине нарисованы две фигуры, две противоположности: Павел, умный, категоричный, беспощадный и Петр, нерешительный и сомневающийся. Павел полностью согласен с тем, что написано в Писании. В тоже время, Петр, в душе подвергает сомнению текст, написанный в книге, что делает его нерешительным.

Эль Греко — один из самых ярких и оригинальных художников. Грек по происхождению, он изучал живопись в Италии в мастерской великого Тициана. От своего кумира он научился масляной технике, также был вдохновлен художественными приемами итальянского маньеризма. Эль Греко выделялся среди своих коллег оригинальностью драматически выразительного стиля.

В своих портретах он уделял большое внимание психологической характеристике. В этой картине из Эрмитажа художник представляет два разных типа людей. Слева — апостол Петр, трижды отрицавший существование Христа. Его лицо передает печаль и неуверенность, в то время как его жесты имеют оттенок покаяния и мольбы.

https://www.youtube.com/watch?v=ytabout

Читать далее:  Страшно красивые: самые большие цветы в мире

Седовласый Петр, завернутый в мантию золотого цвета, наклонил голову в сторону. В левой руке он держит свой символ — ключ к Царству Небесному. Павел крепко прижимает левую руку к открытому тому на столе, правая рука поднимается в жесте разъяснения при взгляде прямо на зрителя. Св. Петр и Св. Павел появляются в творчестве Эль Греко множество раз, и они изображены с поразительной последовательностью.

Тициан. Даная

Даная Тициана самая известная из его картин, нарисованная в 1554 году в Италии. Также это одна из самых эротичных работ Тициана.

Сюжет картины происходит от древних античных мифов. Критики полагают, что женщина на переднем фоне была обречена на безбрачие ее отцом потому, что оракул предрек его смерть от рук его внука. В подземелье Данаи проник Зевс в виде золотого дождя. Но ее это не удивило, она осталась тихой и спокойной. Все цвета на этой картине показывают ее истому и жар. Русский поэт Максимилиан Волошин описал цвета «Данаи» как осень и бронза.

Италия, около 1554 года

Полотно Тициана Екатерина II приобрела в 1772 году. Картина написана по мотивам мифа, в котором царю Акрисию предсказали, что он умрет от руки собственного внука, и чтобы избежать этого, он заточил свою дочь Данаю в темницу. Однако находчивый бог Зевс все же проник к ней в виде золотистого проливного дождя, после чего Даная родила сына Персея.

Екатерина II была просвещенным монархом, обладала прекрасным вкусом и отлично понимала, что именно надо приобретать для своей коллекции. В Эрмитаже есть еще несколько картин с подобным сюжетом. Например, «Даная» Фервилта и «Даная» Рембрандта.

«Кающаяся Мария Магдалина» — это портрет святой Марии Магдалины Тициана, датируемый приблизительно 1531 годом, с подписью ‘TITIANUS’ на сосуде слева. По сюжету это женщина с распутным прошлым, которая, согласно Евангелию (Луки 7, 36-50), пришла в дом Симона Фарисея, чтобы просить Иисуса о прощении. Это фигура, наполненная женственностью, изображаемая Тицианом с использованием густых, концентрированных мазков и теплых тонов.

Палитра подчеркивает невероятные глаза, пропитанные кристаллическими слезами. Изумительно написаны медные светлые волосы, которые покрывают фигуру. Тема кающейся Марии Магдалины, поднимающей глаза к небу, приобрела большую популярность в Италии XVI века среди аристократов, религиозных деятелей и богатого среднего класса.

5. Соломенные коттеджи в Кордевиле

«Соломенные коттеджи в Кордевиле» написаны Ван Гогом, за несколько месяцев перед его смертью, в 1890 году. Он нарисовал эту картину во Франции, в которую он уехал лечиться.

Одна из теорий гласит, что дома, изображенные на картине, напоминают родину Ван Гога — Голландию. Он вернулся туда на несколько месяцев и нарисовал несколько домов. На картине изображены несколько домов желтого и зеленого цвета, позади которых нарисовано темно синее небо. Место тихое и спокойное. Эта картина была в коллекции Саввы Морозова. В 1917 году он думал отдать эту картину в Эрмитаж или в Пушкинский городской музей изобразительных искусств, но его выбор остановился на Эрмитаже.

6. Женщина, держащая плод

Картина «Женщина, держащая плод» первоначально называлась «Куда ты идёшь». Она нарисована Полем Гогеном в 1893 году, во время его первого визита на Таити.

Картина показывает поселок на Таити. На переднем плане женщина, идущая куда-то с большим фруктом в руках. Некоторые критики думают, что эта реально существовавшая женщина. Лицо женщины прищуренное и подозрительное. Цвета и атмосфера картины показывают, что погода очень жаркая. На заднем плане видно двух женщин, они внимательно смотрят на главного героя. «Женщина, держащая плод» была куплена Саввой Морозовым и передана Эрмитажу в 1917 году.

Караваджо. Юноша с лютней

Италия, 1595–1596 годы

Читать далее:  Топ-15 самых ядовитых змей в мире

https://www.youtube.com/watch?v=ytadvertise

Караваджо — известный мастер барокко, перевернувший своим «погребным» светом сознание нескольких поколений европейских художников. В России хранится лишь одна его работа, которую художник написал еще в юные годы. Для картин Караваджо характерна некая драма, есть она и в «Лютнисте». В нотной тетради, изображенной на столе, записана популярная в то время мелодия мадригала Якова Аркадельта «Вы знаете, что я вас люблю». А треснувшая лютня в руках юноши — символ несчастной любви. Полотно приобрел Александр I в 1808 году.

Картина была написана по заказу кардинала Франческо дель Монте, который покровительствовал художнику. Караваджо изобразил молодого человека, увлеченного музыкой: его взгляд полон вдохновения, пальцы цепляются за струны. Фигура юноши в белой рубашке отчетливо выделяется на темном фоне. Резкое боковое освещение и падающие тени придают объектам практически ощутимый объем и вес.

Объекты, размещенные на картине, свидетельствуют о большой любви художника к окружающему миру, его стремлении правдиво воспроизвести природу, передать материальное качество каждой детали. На записной книжке, лежащей перед героем с лютней, написаны начальные ноты популярного в XVI веке мадригала «Ты знаешь, что я люблю тебя».

Любовь как тема этой работы также обозначена другими объектами. Например, потрескавшаяся лютня была метафорой любви, которая терпит неудачу. На заре творчества Караваджо часто придавал молодым людям женские черты, что, впрочем, было характерно для итальянского искусства конца XVI века. Интересно, что музыканта с картины из Эрмитажа зачастую принимали за девушку, а композицию называли «Лютнистка».

7. Бульвар Монмартр в Париже

«Бульвар Монмартр в Париже» — это картина маслом, нарисованная Писсарро, в 1897 году.

Эта картина входит в цикл картин Писсарро, показывающих парижские бульвары в различные сезоны и погоду. Автор хотел показать реальную жизнь в Париже, поэтому улица многолюдная и оживленная, едут кареты и идут пешеходы — все они спешат куда-то. Автор показывает, что движение — это жизнь. Она не может остановиться или утихнуть. Жизнь в Париже восхищает Писсарро: он использует различные цвета, кроме серого и тусклых цветов.

Питер Пауль Рубенс. Портрет камеристки инфанты Изабеллы

Фландрия, середина 1620-х годов

Несмотря на название, считается, что это портрет дочери художника — Клары Серены, умершей в 12 лет. Картина создана уже после смерти девушки. Художник тонко выписал и пушистые волосы, и нежную кожу лица, и задумчивый взор, от которого невозможно отвести глаза. Перед зрителем возникает одухотворенный и поэтический образ.

Картину в коллекцию Эрмитажа приобрела Екатерина II в 1772 году.

8. Две сестры (Свидание)

Картину «Две сестры (Свидание)» нарисовал Пабло Пикассо в 1902 году.

Сюжет этой картины родился у Пикассо в больнице для проституток. На картине изображены две женщины, одна из которых отдает ребенка сестре, которая заберет его в монастырь. На картине только холодные цвета: только смирение и искупление без любви, счастья и веры. Автор изображает библейский мотив: грешница и монахиня, похожая на бога. Она готова взять ребенка грешницы. Также тень есть только за грешницей — это тоже символическая деталь.

Рембрандт ван Рейн. Возвращение блудного сына

https://www.youtube.com/watch?v=https:accounts.google.comServiceLogin

Голландия, около 1668 года

Одну из самых известных и узнаваемых картин Рембрандта Екатерина II купила в 1766 году. Евангельская притча о блудном сыне волновала художника на протяжении всей его жизни: первые рисунки и офорты на этот сюжет он создал еще в 1630–40-е годы, а за написание картины взялся в 1660-е. Полотно Рембрандта стало вдохновением и для других творческих личностей.

Этот шедевр библейского искусства снова подтверждает статус Рембрандта как одного из лучших художников всех времен и величайшего из всех старых мастеров в изображении сцен Библии. Картина «Возвращение блудного сына», завершенная художником в последние годы жизни, изображает сцену из притчи Евангелия от Луки 15: 11–32.

По словам выдающегося искусствоведа Кеннета Кларка, полотно входит в число величайших картин всех времен. По сюжету отец, подобно патриарху, возлагает руки на плечи выбритого кающегося и одетого в изношенные одежды сына. Его глаза почти закрыты. Акт прощения становится благословением почти сакраментального таинства.

Эта картина с предельной одухотворенности, свободной от всех анекдотических аспектов, в которой все движения и действия зашли в тупик. Сцена погружается в темноту, похожую на тонель, из которого бледно сияют лица отца и его старшего сына. Их красные мантии придают этой тьме свечение. Рембрандт неоднократно писал картины на темы о блудном сыне, но в этой монументальной масляной версии он пришел к своему наиболее волнующему и — благодаря контрастированию старшего и младшего (блудного) сына — психологически наиболее сложной формулировке.

«Дама в голубом» Томас Гейнсборо

Одна из лучших работ художника — «Дама в голубом» — создана Гейнсборо в расцвете творческих сил. Фигура молодой женщины в открытом платье из прозрачной белой ткани нежно выделяется на темном фоне. Ее пудровые волосы уложены в причудливую причёску. Крупные кудри опускаются на покатые плечи. Свежесть молодого лица подчеркнута полуоткрытыми губами и миндалевидными темными глазами.

Читать далее:  10 самых больших круизных лайнеров в мире

Смелость живописных приемов Гейнсборо поразила современников. Так, Рейнольдс отметил «странные пятна и черты» на картинах Гейнсборо, «которые кажутся скорее результатом случайности, чем сознательным намерением». Именно эта неакадемическая традиция является одним из высших достижений Гейнсборо. «Дама в голубом» поступила в Эрмитаж в 1916 году из собрания А. 3. Хитрово по завещанию.

Картина «Дама в голубом» единственная из картин Томаса Гейнсборо, которая представлена в России. Она нарисована в конце 1770-х годов. Некоторые критики думают, что леди, изображенная на картине — герцогиня Элизабет Бофор. Женщине на картине около 33 лет. Автор показал на картине элегантность и галантность присущие дамам высшего света Англии.

Эдгар Дега. Площадь Согласия (Виконт Лепик с дочерьми, переходящий площадь Согласия)

Франция, 1875 год

Картина «Площадь Согласия» была перевезена в Россию после Второй мировой войны из Берлина — там она хранилась в частном собрании. Полотно интересно тем, что, с одной стороны, это портрет, а с другой — типичная для импрессионистов жанровая зарисовка из жизни города. Дега изобразил своего близкого друга, аристократа Людовика Лепика, вместе с двумя дочерьми.

Многофигурный портрет до сих пор хранит в себе немало загадок. Неизвестно, когда и при каких обстоятельствах картина была создана. Искусствоведы предполагают, что работа была написана в 1876 году и не на заказ. Другой подобной картины ни до, ни после художник не писал. Нуждаясь в деньгах, он продал все же полотно графу Лепику, и до конца XIX века о нем не знали. После падения Берлина в 1945 году шедевр в числе других «трофейных» произведений был отправлен в Советский Союз и оказался в Эрмитаже.

Анри Матисс. Танец

Франция, 1909–1910 годы

Картина была создана по заказу Сергея Щукина, известного русского коллекционера французской живописи XIX — начала XX века. Композиция написана на тему золотого века человечества, и потому на ней изображены не конкретные люди, а символические образы. Матисс вдохновлялся народными плясками, которые, как известно, хранят в себе ритуальность языческого действа.

«Танец» — одна из самых известных работ Анри Матисса — ода жизни, радости, физическому отказу и символ современного искусства. Произведение было заказано влиятельным русским коллекционером Сергеем Щукиным в 1909 году для украшения его особняка. Характерная своей простотой и энергией, эта художественная вакханалия оставила неизгладимый след в искусстве XX века.

https://www.youtube.com/watch?v=ytcopyright

Танец был написан в разгар эстетики фовизма и воплощает эмансипацию традиционных западных художественных традиций. Эстетический выбор Анри Матисса для этой картины вызвал настоящий скандал в художественных салонах 1910 года. Дерзкая обнаженная натура и грубые оттенки придали картине неординарный для того времени характер, который в глазах некоторых зрителей казался варварским.

Анри Матисс

Анри Матисс

Матисс использовал только три цвета для изображения этого танца: синий, зеленый и красный. В соответствии с традиционными цветовыми ассоциациями фовизма, эти три оттенка создают интенсивный контраст. Однако целью Матисса было не шокировать аудиторию. Напротив, он стремился объединить людей друг с другом и с природой.

Василий Кандинский. Композиция VI

Германия, 1913 год

В Эрмитаже есть целый зал, посвященный творчеству Василия Кандинского. «Композиция VI» была создана в Мюнхене в мае 1913 года — за год до начала Первой мировой войны. Динамичная яркая картина написана свободными и размашистыми мазками. Первоначально Кандинский хотел назвать ее «Потоп»: в основу абстрактного полотна лег библейский сюжет.

https://www.youtube.com/watch?v=upload

В материале использованы иллюстрации с официального сайта Государственного музея «Эрмитаж»..

Рейтинг
( Пока оценок нет )
Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
ObzorTop
Adblock
detector